Decomposition BWV 1017

 

Semi-improvised performance of Ed Williams' Decomposition of the Siciliana from J S Bach's Sonata IV - BWV 1017. With Anouck Genthon (violin) & Ed Williams (harpsichord) during the Attacca festival, Hochschule für Musik Basel, Ackermannshof, in June 2023. 

The original duet’s part of the Largo has been discarded and the continuo part allowed to flourish to become a different kind of duet, involving the original instrumental pair of harpsichord and violin. Acting like enzymes breaking down organic matter, the two performers collaboratively weave an improvised tissue of timbres, intervals and silences that emerge from the diffraction, repetition and savoring of the original score’s notes. This calls to mind the image of string figures described by Isabelle Stengers: “...but knowing that what you take has been held out entails a particular thinking “in-between”... with the demand that you not proceed with ‘mechanical confidence’... two pairs of hands are needed, and in each successive step, one is ‘passive’, offering the result of its previous operation, a string entanglement, for the other to operate...” (Stengers, 2011).  

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La partie du duo original du Largo est abandonnée et la partie de continuo peut s’épanouir pour devenir un autre type de duo en soi, impliquant le duo instrumental original du clavecin et du violon. Agissant comme des enzymes décomposant la matière organique, les deux interprètes tissent en collaboration un canevas improvisé de timbres, d’intervalles et de silences qui émergent de la diffraction, de la répétition et de la dégustation des notes de la partition originale. Cela rappelle l’image des figures de cordes décrites par Isabelle Stengers : " ... mais savoir que ce que vous prenez a été tendu implique une réflexion particulière « entre »... avec l’exigence de ne pas procéder avec une « confiance mécanique »... deux paires de mains sont nécessaires, et à chaque étape successive, l’une est « passive », offrant le résultat de son opération précédente, un enchevêtrement de cordes, pour que l’autre opère... " (Stengers, 2011). 

 

On "Beyond the Coda", another work of Ed Williams: "decomposition study" with an organ,

and another decomposition: "Soave Dolc'Ardore" for a string quartet

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Io t'abbraccio

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

"Io t'abbraccio", extrait de l'opéra "Rodelinda", chef-d'oeuvre méconnu de Haendel 

par la superbe et renversante Jeanine de Bique et Tim Mead @ Opéra de Lille

avec "le concert d'Astrée" d'Emmanuelle Haïm

 

 

& "ombre", autre extrait de "Rodelinda"

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Capriccio for violin and orchestra

From the Polish composer Krzysztof Penderecki (1933-2020), an amazing version of "Capriccio for violin and orchestra" (1967)  by Wanda Wilkomirska (vl) & the National Philharmonic Orchestra in Warsaw conducted by Andrzej Markowski.
Recorded live at the Warsaw Autumn Festival in 1968 by the National Polish TV.

The composition has no tempo marking at the beginning, even though the last bars are marked as Tempo di Valse. It is mentioned in the score that two or three of the bells from the second bell set should be made of 24-karat gold. 

 

 

Du compositeur polonais Krzysztof Penderecki (1933-2020), une splendide version du "Capriccio for violin and orchestra" (1967) de Wanda Wilkomirska (vl) & l'Orchestre Philharmonique National de Varsovie dirigé par Andrzej Markowski. Enregistré en direct au Festival d'Automne de Varsovie en 1968 par la télévision nationale polonaise.

La composition n'a pas d'indication de tempo au début, même si les dernières mesures sont marquées comme Tempo di Valse. Il est mentionné dans la partition que deux ou trois des cloches du deuxième ensemble de cloches doivent être en or 24 carats. 

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Tesla FM

 

TESLA FM is a radio on line involved in non-commercial music, experimentation and countercultural information. From experimental electronics to electroacoustic and sound art; from improvisation to jazz and classical music; from old melodies from the 19th century to current compositions; from unknown artifacts from the 80s to sounds inspired by that decade; cultural archives..., an eclectic journey.

Many international contributors as the manager and producer of Tesla Ishak Benavides aka Dj Shak, Ignacio Fernandez and his "Locus Solus" program, the Polish multi-media artist Monika Pich in a "space oddity recollection",  the artist and sound curator Franco Falistoco with "El ruido es el mensage" the field of sound experimentation, being radio art and sound art, the ecclectic Pilar Talavera and her "Flushing toilets", the musician and photographer Nacho Alvarez aka Dr Milton creating a revisitation of Radio Raheem, Chica Paula, the pseudonym of  Paula Schopf  the sound artist "No Statik at All", the french music travel agent Philippe Petit and his passion for "Modulisme", as well many other people involved in this project...

 

Apart of the live show and an infinite hours of archives, a few tracks to listen to:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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L'art de la fugue

 

Hermann Scherchen  conducting the BWV 1080 from Jean Sébastien Bach' s "Art de le fugue ".
 

A brilliant lesson of what would be the fugue.

<<<here>>> 

 

This extract is included in the DVD box "Les grandes répétitions", a serie of rehearsals filmed by Gérard Patris and produced in the 60s by "Le service de la recherche" of the french national radio, founded by Pierre Schaeffer.
These 5 remarkable movies are focused on Cecil Taylor, Edgar Varèse, Karlheinz Stockhausen, Olivier Messiaen and Hermann Scherchen. 

++II++

Pacific 231

The famous Jean Mitry's movie (1949) with Arthur Honegger symphonic music.

 

 

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Blues de Ravel

 

The second sonata for violin and piano, composed by Maurice Ravel between 1922 and 1927, was premiered with Ravel himself at the piano and Georges Enesco playin the violin.
Its composed by 3 parts : Allegretto, Blues, Perpetuum mobile

 

We find there the influence of the great masters, but also that of jazz and blues as Georges Gershwin with whom Ravel frequented the smoky nightclubs of Harlem - the true cradle of jazz in New-York.

 

Unfortunately, my best and incomparable version of this "Blues" was played by Monique Haas and Max Rostal  and had disappeared of the net!  So!  this version of the second part "blues", a bit weak, is here with Dong-Suk Kang & Pascal Devoyon.

 

"À l’étranger, nous prenons le jazz au sérieux. Il exerce une influence sur nos œuvres. Le « blues » de ma Sonate par exemple, est du jazz stylisé, plus français qu’américain de caractère, peut-être, mais cependant fortement influencé par votre musique dite « populaire ». Personnellement, je trouve le jazz extrêmement intéressant : les rythmes, le traitement des mélodies, les mélodies elles-mêmes. J’ai entendu certaines œuvres de Gershwin qui m’ont intrigué..." Maurice Ravel in Lettres, écrits et entretiens - ed. Flammarion 1989

 

"We are the music makers, and we are the dreamers of dreams."
Arthur O'Shaughnessy - Ode from his book Music and Moonlight (1874) 

 

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Bach Plucked Unplucked

 

Ce projet mené par le pianiste Edouard Ferlet et la claveciniste Violaine Cochard consiste en une relecture d'oeuvres de Jean-Sébastien Bach mêlée à quelques improvisations.

This project led by the french pianist Edouard Ferlet and the harpsichordist Violaine Cochard consists of a re-reading of Bach' works criss-crossed with a few improvisations.

 

 

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Le Vertigo

Joseph Nicolas Pancrace Royer est un compositeur et claveciniste né à Turin en 1703 et mort à Paris en 1755. Après Domenico Scarlatti, François Couperin et Jean-Philippe Rameau, auteurs incontestables de sérieux volumes de compositions pour clavecin, Pancrace Royer travaille à partir de 1746 à l'introduction de pièces novatrices pour cet instrument, pièces réunies après sa mort en 1775 sous la forme d'un "Recueil de pièces détachées".

"Sa Majesté (Louis XV) étant satisfaite des talents et de la capacité du Sr. Royer" le 15 novembre 1734, le jeune auteur obtient le brevet de la charge de maître de musique des enfants de France qu’il partagera avec Jean-Baptiste Matho. Par la suite, on lui concède en 1748 la charge du "Concert spirituel".

Après sa mort, Pancrace Royer tombe dans un oubli qui n’a d’égal que la soudaineté de son décès. Cependant, dans son "Dictionnaire des artistes" de 1776, l’abbé de Fontenai, écrivain et journaliste, loue la politesse et l’amabilité de son caractère, s’étant "fait connaitre d’abord par la manière savante et délicate dont il touchait l’orgue et le clavecin".

 

 

Joseph Nicolas Pancrace Royer is a composer and harpsichordist born in Turin in 1703 and died in Paris in 1755. After Domenico Scarlatti, François Couperin and Jean-Philippe Rameau, indisputable authors of serious volumes of compositions for harpsichord, From 1746, Pancrace Royer’ works operate as an introduction of innovative parts for this instrument. His works were collected after his death in 1775 in the form of a "Recueil de pièces détachées". "His Majesty (Louis XV) being satisfied with the talents and the capacity of Sr. Royer" on November 15, 1734, the young author obtains the certificate of the charge of music master of the children of France which he will share with Jean-Baptiste Matho. Subsequently, in 1748 he was granted the charge of the "Concert spirituel". After her death, Pancrace Royer falls into oblivion that is matched only by the suddenness of her passing. However, in his "Dictionnaire des artistes" of 1776, l' abbé de Fontenai, writer and journalist, praises the politeness and the friendliness of his character, having "made himself known first by the learned and delicate manner in which he touched the organ and the harpsichord ". 

"Le Vertigo", une pièce inouïe faisant appel à une grande virtuosité.
Sur le clavecin historique du château d’Assas, Jean Rondeau qui trouve le juste ton pour l'interpréter nous rappelle que les cordes dans un clavecin, sont des cordes métalliques!  

 

"Le Vertigo" is an incredible piece calling on great virtuosity. On the historic harpsichord of the château d’Assas, Jean Rondeau, who finds the right way to interpret it, reminds us that the strings in a harpsichord are metal strings!




et aussi, pour les amateurs de clavecin, ne pas oublier le répertoire contemporain avec Elisabeth Chojnacka

 

for lovers of harpsichord, don't forget the contemporary repertoire with Elisabeth Chojnacka
 

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"Puer natus est"

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

A 27 minutes journey with Messiaen improvising  at the organ of the Paris's church of  Sainte-Trinité in Paris, where he used to play for 66 years!
It reminds many occasions for me to listen him live in the sixties.
And now, i just dream to  entrust such an instrument to people as Cecil Taylor, Olivier Agid, Anthony Braxton, Ran Blake or other free keyboard players...

timbers, colors, contrast, registers ...
enjoy!

 

 

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Aisha Orazbayeva

pic by Dimitri Djuric
 

Kazakh violinist Aisha Orazbayeva , born in 1985, is renowned for her fearless interpretations of contemporary music and radical approach to old repertoire.

She is playing numerous composers as Xenakis, John Cage, Bernard Parmegiani, Morton Feldman, Luigi Nono, Christian Wolff as well J.S.Bach, Telemann and her own compositions. She is well known for her performance of Salvatore Sciarrino' Caprices. 

 

 

Such is the range of the violinist's virtuosity, capable of producing so vast an array of sounds from a seemingly limitless palette of extended techniques, that as an audience we are wont to look from human to machine and back again and find it close to impossible to say which was which.  The Quietus

 

 

 

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Partita for violin

"Arbre intérieur: la première brassée de sons d'un quatuor de Brahms ou de Lutoslawski, se donnant instantanément dans tout son feuillage"

Julio Cortazar in "Entretiens avec Omar Prego" en 1983/1984

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

"Partita for violin and orchestra"  was composed by Witold Lutoslawski in 1988.
The first performance took place on January 10, 1990 in Munich. Anne-Sophie Mutter was accompanied by the Munich Philharmonic Orchestra, conducted by Lutosławski himself.

 Witold Lutosławski played the violin till the age of nineteen and continued to perform as a concert pianist after the war (...) 
The Partita is one of the compositions in which Lutosławski attempts a synthesis of his previous string' works, turning to, among other things, the sound gestures from the period before "Funeral Music".  

 

 

Anne-Sophie Mutter, violin. 

W. Lutoslawski conductor

BBC Symphony Orchestra

 

 

 

 

 

 
& don't miss the "13 solo strings" conducted by Witold Lutoslawski himself 

 

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Solciste

 

An amazing repetitive music composed by François Bernard Mâche in 1975,

titled "Solstice"

 for harpsichord played by the (very) great Elisabeth Chojnacka 

and organ by Jean-Louis Gil

 with an interresting interview archived by the INA to follow here

(in french langage - notice that you can choose the extracts of this long interview)  

"(Solstice) ... c'est pas une oeuvre répétitive à proprement parler mais c'est quand même une oeuvre qui tranche avec la plupart des autres. Je la concevais un peu comme un divertissement à l'époque, ce qui agaçait beaucoup l'interprète qui l'avait créée, Elisabeth Chojnacka, parce qu'elle considérait qu'au contraire, c'était une oeuvre intéressante, et elle disait même : "ça, c'est du répétitif intelligent". Alors donc, en effet, il y a quelque chose de répétitif mais c'est une oeuvre où il y a une influence indirecte de musique orientale, seulement il n'y a pas de mise en boucle.C'est constamment dissymétrique"

 

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Gnossienne aux Cristals Baschet

La "Gnossienne N°1" d'Erik Satie interprétée aux Cristals Baschet 

en duo par deux musiciens de l'Ensemble Hope.

Marc Antoine Millon : Cristal basse  et Frédéric Bousquet : Cristal

Erik Satie's "Gnossienne N°1" played with Cristals Baschet 

by two musicians of  Ensemble Hope. 
Marc Antoine Millon : Cristal bass  et Frédéric Bousquet : Cristal

à voir également un singulier quatuor de Cristals Baschet

composé par le compositeur anglais Roger Steptoe

ICI

as well the atypical quatuor of Cristals Baschet

composed by Roger Steptoe

HERE

 

sans oublier de rendre visite à la guitare pneumatique de Bernard Baschet

and don't forget to visit the Bernard Baschet's guitare pneumatique

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Lachrimae Caravaggio

Le Caravage - "le concert" ou "les musiciens" - circa 1595

"Lachrimae Caravaggio"

par l'Ensemble Hespèrion XXI dirigé par l'inestimable Jordi Savall

live at the "Maguelone Festival 2012"

filmé par Olivier Simmonet pour le "Musical Europe in the Time of Caravaggio".

A co-production of Calicot - Mezzo - TV Sud - Maguelone Festiva

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A cette occasion, j'en profite pour indiquer
le passionnant essai sur le peintre Le Caravage
écrit par Yannick Haenel sous le titre "La solitude Caravage"
et publié  en 2019 par Fayard.
A lire au regard des images des tableaux du Caravage dont l'auteur est passionné.

"... Le livre d’Haenel est un grand livre que je range aux côtés du Manet de Bataille, du Paradis de Cézanne de Sollers, 
du Giotto de Pleynet et de La peinture et le mal de Henric. 
Je cite ce dernier livre car jamais, à mon sens, un écrivain n’a approché d’aussi près les mystères et de la peinture et du mal..."  

"... Quant à "La solitude Caravage", son horizon avoué est de se dédier entièrement à la peinture, au mystère qui persiste dans sa contemplation, à la pensée ouverte par le silence d’un tableau..."
Pierre Benetti - in "En attendant Nadeau" - mai 2019

Le Caravage - "le joueur de luth" - 1595

extraits de l'ouvrage de Yannick Haenel et beaucoup de documents qui lui sont relatifs
ICI
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Musique Funèbre

 in memory of Krzystof Penderecki who flied away today,

 this amazing "Musique Funèbre" a composition by Witold Lutoslawski (1913-1994)

RIP

and don't miss the Penderecki's "Capriccio" here

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Arnold Schönberg talks

"Qui je suis" is a documentary produced by the "Arnold Schönberg Center" in Vienna
where we can listen Schönberg himself talking about music and painting
with rare archives.

Other interresting movies are passed by the Opera de Paris on the occasion of the new release of the opera "Moses and Aron".
Her daughter Nuria Schoenberg Nono is describing the office of his father.

Here the main movie : "Qui je suis"

and more

a Schönberg's archiv from 1890
&
a transfigured night in 1935
&
US period in the 40s


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Márta Kurtág

Márta Kurtág est née le 1er octobre 1927 à Esztergom en Hongrie.
Elle nous a quitté ces derniers jours à l'âge de 92 ans.
Elle étudie le piano auprès de Leó Weiner et András Mihály avant d'enseigner, de 1953 à 1963, à l'École secondaire supérieure de musique Béla Bartók à Budapest.

Et pendant près de 60 ans, elle est la femme et la première interprète des œuvres de György Kurtág.
Ce couple fameux et inséparable dans le travail se produisait régulièrement au piano à quatre mains pour jouer des transcriptions de chorales de Bach ainsi que des compositions de György Kurtág lui-même, dont ses fameux "Játékok".

Márta Kurtág was born on October 1, 1927 in Esztergom, Hungary.
She died in the last days at the age of 92.
She studied piano with Leó Weiner and András Mihály before teaching, from 1953 to 1963, at the Béla Bartók High School of Music in Budapest.

And for nearly 60 years, she was the wife and the first performer of György Kurtág's works.
This famous and inseparable couple performed regularly on the four-handed piano to play Bach's choral transcriptions as well as compositions by György Kurtág himself, including his famous "Játékok".

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"Their performance embodies a lot about the Kurtág ethos of simplicity and understatement. They sit before a humble upright piano, just as if they were at home, in private, playing for their own enjoyment. One key to appreciating Kurtág's miniatures is to understand how personal and intimate they are. ... Játékok means 'games'. Kurtág is playing with new ideas, letting the pieces fall together in different ways, like a child playing with building bricks."
Excerpt from a review

Játékok / Plays and Games for piano 
with Zoltán KOCSIS (solo)  & Márta & György KURTÁG (négykezes)


et aussi

Ce couple inséparable en conversation avec l'éditeur et historien Bálint András Varga en 1996. 


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L'oxymoron d'Arcueil

Un excellent dossier autour de la figure d'Erik Satie

réalisé par Joséphine Ducat dans le cadre de ses études aux Beaux-Arts de Paris.

"Tout corps plongé dans un fluide éprouve une poussée verticale, dirigée de bas en haut, égale au poids du fluide qu’il déplace et appliquée au centre de gravité du fluide déplacé, ou centre de poussée. » L’exposé physique de la poussée d’Archimède appliqué à Erik Satie donnerait : le compositeur dissimule par des artifices multiples sa pensée de fond, mais par une poussée exactement inverse et de même intensité, l’esprit réapparaît de lui seul et par sa propre force à la surface...

Nous dresserons un portrait du compositeur par le minuscule et l’insignifiant, qui, en creux (comme il se doit avec Satie), permettra d’aborder la poésie et la beauté simple qui habite sa pensée. Nous avons constitué un ensemble de petits chapitres, comme autant d’articles sur un élément particulier qui noue superficialité et profondeur, dans l’idée de dresser un portrait, à sa manière cubiste, d’Erik Satie."

Joséphine Ducat - en préambule à son travail

Les différents chapitres exposés:

- Visite à Arcueil, (de l’aura d’Erik Satie en tant que vivant & défunt)
- Un cas d'école (comment cet original s’est tenu bien loin de tout académisme, en commençant par celui de son époque, le wagnérisme)
- Maître de chapelle (sur l’esprit communiste du compositeur)
- Le bon fauteuil (à propos de la candidature de Satie pour occuper un fauteuil à l'Académie des Beaux-Arts et de l’usage d’un certain mobilier musical)
- Le château de fonte  (des diverses lubies de Satie et son obsession à dessiner des châteaux)
- La phonométrie* (où il est montré que Satie fait preuve volontairement de simplicité dans son travail de composition)
- Nudités  (de la stratégie de camouflage de Satie aux antipodes de ses recherches musicales. Satie revendique comme « Maître », M. de La Palice, et ainsi œuvre-t-il à travers ses compositions et ses pensées)
- Le placard  (des costumes de Satie et de son esprit des panoplies)
- Instantanéité (où il est dit que Satie s'emploie à créer une oeuvre qui altère les conditions d'écoute et de représentation)...

* "La phonométrie est “amnésique” de la pensée musicale et de la pensée tout court." Jean Pierre Armengaud
 

extraits du chapitre "Le bon fauteuil" 

...

Satie écrit en effet une série de compositions dite « Musiques d’Ameublement » : Chez le bistrot et Un Salon (en 1920), Tapisserie de fer forgé, Teinture de cabinet préfectoral et Carrelage phonique (en 1923). Ces compositions sont toutes bâties sur le même patron : une phrase musicale répétée en boucle qui ne connaît ni prélude, ni apogée dramatique, ni même dénouement (heureux ou tragique). En 1891, Satie compose déjà un leitmotiv pianistique pour accompagner la lecture du roman Le Panthée du Sâr Péladan. Socrate s’inscrit dans cette continuité : c’est une musique au service d’un texte. « Pour Mercure, [Satie] suggéra au célèbre créateur [Massine] de mettre au point la chorégraphie sans support musical ! Il imagina qu’il pourrait écrire la musique après coup, en s’inspirant des mouvements des danseurs.»
 

La « Musique d’Ameublement » crée une atmosphère. Elle suppose une activité contiguë à celle de l’orchestre, rythmant cette boucle installée dans un effet d’éternité. Le drame se déroule donc du côté du vrai, de la vie...

La musique devient un meuble et, loin d’être une oeuvre, elle est soumise aux lois du marché avant tout. Erik Satie peut donc faire commerce de sa composition : la « Musique d’Ameublement» fait partie du genre mobilier. Cette manière de composer renvoie la concentration du public sur lui-même. Satie veut capturer et observer ses spectateurs à travers la musique. Comme un miroir en médaillon, le bouffon d’Arcueil affiche un autoportrait à la hauteur de ce que les spectateurs veulent bien être. Une version tonale du 4’33’’ de John Cage, la partition n’est qu’un « fond sonore à des bruits suggestifs »...

La présentation au public des « Musiques d’Ameublement » – le test – se déroule à la galerie Barbazangues, le 8 mars 1920, à l’occasion de la création de Ruffian toujours, truand jamais de Max Jacob. Pierre Bertin – autrement connu pour avoir interprété le Président Adolphe Amédée Delafoy dans les Tontons Flingueurs (1963) de Georges Lautner – présente ici l’événement :
« Nous vous présentons pour la première fois, par les soins de MM. Erik Satie et Darius Milhaud, et sous la direction de M. Delgrange, la musique d’ameublement, pendant les entractes de la pièce. Nous vous prions instamment de ne pas y attacher d’importance et d’agir pendant l’entracte comme si elle n’existait pas. Cette musique […] prétend contribuer à la vie, au même titre qu’une conversation particulière, qu’un tableau de la galerie, ou que le siège sur lequel on est, ou non assis. Vous en ferez l’essai. MM. Erik Satie et Darius Milhaud se tiennent à votre disposition pour tous renseignements et commandes. »

 
Le baptême de la Musique d’Ameublement est un échec. Toute l’assemblée s’est tenue assise, attentive et docile devant l’interprétation cyclique de l’orchestre. Satie avait beau gesticuler et donner de la voix pour déconcentrer son public, la mayonnaise n’a pas pris. C’est la seule Musique d’Ameublement jouée du vivant du compositeur.

...

Erik Satie - portrait par Marcellin Desboutin - 1893

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A télécharger le document complet en pdf  (31 pages)

Lizica Codreanu (1901 – 1993) 
photographiée dans l’atelier de Constantin Brancusi.
La danseuse porte le costume dessiné par Brancusi 
pour les Gymnopédies, 1922.

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2 pièces méconnues pour piano:
"Caresse" et "Je te veux"





 

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Notre Dame de Paris

Pierre Cochereau (1924-1984) compositeur et pédagogue,
titulaire des grandes orgues de Notre Dame de Paris de 1955 à 1984,  
avait pour habitude d'improviser publiquement très réguliérement, 
tout autant qu'il cédait ses claviers tous les dimanches après-midi 
pour des auditions d'une heure avec des organistes du monde entier.

Pierre Cochereau (1924-1984) composer and instructor,
who was in charge of the great organ of Notre Dame de Paris from 1955 to 1984,
used to often improvise publicly,
as well he leaved his keyboards every sunday afternoon
for one-hour' auditions with many organ players from around the world.

Pierre Cochereau aura eu à cœur de mieux faire connaître cet instrument
et d'entretenir, puis de relever ces grandes orgues,
chef-d’œuvre de 1868 d'un des plus fameux facteurs d'orgue de l'histoire Aristide Cavaillé-Coll.

Pierre Cochereau had been eager to raise awareness of this instrument and to renovate this great organ, 

a 1868 masterpiece of one of the most famous french organ builders Aristide Cavaillé-Coll.

Pierre Cochereau en improvisation en 1974.

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A écouter également, un autre grand artiste des grandes orgues, Jean Guillou: ICI 

Another french maestro of great organ, Jean Guillou: HERE
 

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